Friday, November 26, 2004
a show about nothing
Sunday, November 14, 2004
Barcelonas by Mies Van der Rohe
designed in 1929
±0 8” LCD TV
http://www.plusminuszero.jp/collection/ad03_8intv.html
A standard CRT (cathode ray tube) TV?! This LCD TV is shaped like a standard CRT (in common technical terms, the part that is called the “tube” or “bottle” or “ball"). Many people are sure to feel a certain affection for this familiar shape. But if it were a CRT TV, the CRT alone would not function as a TV, and so it, along with other parts, would be enclosed in a square box. This shape is one that can be achieved because it is an LCD TV - it cannot be created as a CRT TV. This TV can be placed on the kitchen counter or on a bed. The transmitter relays images without the need for cables. If there’s a power socket nearby, this TV can be used anywhere in the house.
JVC Nivico
8” ‘Videosphere’ portable television model No. 3240F
photo from http://www.mancha.demon.co.uk
*1970-1972
Thursday, November 11, 2004
Eames Lounge Chair and Ottoman, 1956
http://www.design-museum.de
http://www.hermanmiller.com
http://www.knoll.com
http://www.retromodern.com
Tuesday, November 09, 2004
You’re My Sunshine 당신은 나의 태양
You’re My Sunshine 당신은 나의 태양
2004. 10. 15 - 12. 05
토탈미술관
Total Museum of Contemporary Art, Seoul
http://www.totalmuseum.org
참여작가
곽인식, 권진규, 김구림, 김경인, 김용익, 김관수, 김보중, 김봉준, 김천일, 김주호, 김범, 김소라, 김두진, 남관, 민정기, 문범, 박불똥, 박이소, 성능경, 신학철, 안창홍, 안규철, 오윤, 오인환, 육근병, 윤석남, 유승호, 이강소, 이승하, 이중근, 이태호, 이응로, 이승택, 이건용, 장진영, 정복수, 조성묵, 주재환, 최병민, 최정화, 홍승혜, 홍명섭, 홍성담, 홍선웅, 홍순모, 장지아, 그룹 오아시스 프로젝트
인터뷰해주신 미술인들
김병기, 김윤수, 김구림, 전성우, 이승택, 이건용, 윤명로, 민정기, 신학철, 홍성담, 김봉준, 김천일, 육근병, 김홍희, 김두진, 최정화, 이정우
전시기획 및 연출: 이영철
전시취지
한국 현대 미술은 절대적 궁핍, 정치적 탄압, 냉전 이데올로기의 어둡고 긴 터널을 지나오면서 결정적인 부분들에서 분절, 망각, 왜곡되었다. 현재의 미술은 그런 바탕 위에서 태어났으므로 사실상 이정표가 없는 미술이라 말할 수 있다. 특히 1990년대 거품경제는 그런 척박한 역사적 바탕 위에 잠시 장밋빛 환상을 드리운 적도 있었으나 미술을 위한 진정한 토양을 마련하지는 못하였다.
이 전시는 이러한 어려운 환경과 그로 인해 전반적으로 미술을 시대의 장식 정도로 여길 뿐 미술의 사회적 역할, 그것의 정신적 필요에 대한 믿음이 크게 부족한 시대를 지나오면서도 한국의 미술가들이 꿋꿋하게 제 모습을 지켜온 큰 줄거리를 찾아 주고자 하는 것이 그 중요한 취지이다.
이 땅의 미술가들은 암울한 시대에 맞서 새로움과 기쁨과 저항의 살아있는 문화를 만들어내고자 했던 소수자들이면서 시대의 태양들이다. 그러므로 햇살이 무한하듯 그들의 빛은 무한하며, 그것이 모여 하나의 태양을 형성한다. 빛이 태양에서 나오는 것이 아니라 햇살이 모여 태양을 이루는 것이다. 잘 알려진 팝송의 타이틀 “You Are My Sunshine”에서 차용한 이 전시의 제목, “당신은 나의 태양”은 이와 같이 척박한 환경 속에서도 굴하지 않고 창작의 신념을 지켜 온 작가들과 그들의 예술을 의미한다고 볼 수 있다.
전시의도
지난 반세기 세월은 절대적 가난, 냉전 하의 이념 갈등과 정치적 탄압, 산업화 과정의 증후군들 그리고 거품 경제로 특징 지워진다. 이 전시는 미술이 이러한 시대적 성격에 대해 어떠한 ‘반응’(reaction)을 보여주었는가, 혹은 어떻게 시대를 리드하려고 했는가를 탐구한다.
1960-1970년대는 추상, 개념미술, 해프닝 등 “예술적 전위”의 시대였던 반면, 1980년대는 시대에 맞선 격렬한 정치적 저항 즉, “정치적 전위”의 시대였다. 예술적 전위와 정치적 전위가 한국 현대미술에서 결합되어본 적이 없고, 양쪽이 만나 전시가 이뤄진 적도 없다. 그만큼 “예술적 전위”와 “정치적 전위”, 이 양 노선은 서로에게 소원했고 심지어 상대의 약점을 지적하면서 대립적이기도 했다. 이러한 바탕 위에서 1990년대 미술이 탄생했고, 특히 1995년 광주비엔날레 이후 한국 현대미술은 전지구화의 물결을 경험하면서 큰 변화의 시기를 맞았다.
이 전시는 한국 현대미술이 ‘전위’의 과정들을 통해 어떻게 서구와 어깨를 나란히 하는 동시대성(contemporaneity)을 획득하게 되었는가 하는 과정을 보여주고자 하는 것이다.
전시특징
첫째, 이 전시는 작품, 자료를 나열하거나 단선적인 진화 방식으로 보여주지 않는다. 1990년대 말에 들어와 비로소 지식인들 사이에서 인식되기 시작한 ‘시간의 폭발력’ 이라는 이질적 요소들의 동시 공존의 의미를 우리 미술의 역사에 적용시킨 전시이다. 따라서 역사 회고나 재평가를 위한 전시가 아니다. 즉 과거 역사를 증명하거나 비판하자는 것이 아니라 1960년대부터 30여 년 동안의 지난했던 사회 현실 속에서 빛을 발한 예술을 ‘기념’하자는 것이다. 이러한 예술을 창작해 온 미술가들 가운데에는 전혀 이름을 얻지 못했던 작가들 (예를 들어 김보중, 이승하, 유연복, 홍선웅 그리고 사회 운동 시기의 많은 젊은 작가들)이 있었으며 많은 작가들이 비주류로 다루어지기도 하였다. 이 전시에는 한국 미술계의 주류에서 벗어난 작가들이 대거 초대되었다. 한국 현대미술의 주류 담론으로 인정되어 온 앵포르멜에서 모노크롬에 이르는 상투적인 양식화 과정을 철저히 배제했고, 1990년대 들어와 상업 자본과 문화 권력의 선봉 역할을 하는 일부 민중계열 작가들을 배제시켰다. 초대작가들 가운데 일찍 세상을 떠난 권진규, 오윤, 박이소가 있다. 한국 현대미술에 있어 기념비들인 이들의 작품이 놓인 벽이나 방은 모두 푸른색으로 칠했다.
둘째, 전시에서 가장 중요한 것은 ‘활력’(vitality)이고, 신선한 에너지라는 사실을 관객들이 감각적으로 명확히 느낄 수 있게 하였다. 이점은 특히 중요한 데, 작품이나 전시는 의견들을 모아 적당히 살을 붙이는 것도 아니고 아마추어 관객과 프로 작가들이 대화, 토론해서 만드는 것이 아니다. 그것은 미술을 추방하고 미술이 있어야 할 자리에 손님을 불러 모으기 위한 이벤트 광고가 대신하게 되는 결과를 낳게 된다. 거기에는 새로운 활력은 전혀 존재하지 않으며 ‘인위적인 조작’이 있을 뿐이다. 『당신은 나의 태양』전시는 과거의 작업들이 지금, 여기서 살아서 움직이도록 활력의 생산, 맥락의 부여, 작품들 간에 파생되는 상호 대화의 설정, 그리고 작가, 비평가, 증인들의 구술(口述) 영상 기록물, 고증 자료들을 배치하여 활력과 생기를 불어 넣는 데에 중점을 두었다. 특히, 이 전시에서 많은 시간을 할애한 것은 인터뷰 자료이다. 작품의 전시만으로는 당시의 미술계 상황을 관객들에게 생생하게 들려주기 어렵다고 판단하여, 16인의 미술계 인사를 인터뷰하고 이 동영상 자료를 전시장 곳곳에서 상영하도록 배치하여 관객들의 이해를 도모하고 전시장 자체에 에너지를 불어 넣도록 하였다. 또한 오프닝 날에는 한국의 개념미술을 주도한 S.T.(Space & Time)그룹의 리더 역할을 하였던 이건용, 성능경이 퍼포먼스를 통해 관객들과 직접 만날 수 있는 기회를 가졌다.
셋째, 토탈미술관의 공간적 협소함을 해소하기 위해 많은 사진 자료들(300컷)을 활용했다. 사진 자료들은 작가, 비평가, 큐레이터들이 소장하고 있던 사진, 전시 도록, 리플렛, 포스터, 책에서부터 편지에 이르기까지 다양하며, 60년대 실험미술에 관한 사진 자료의 많은 부분은 김미경님에게 큰 도움을 받았다.
Ingo Maurer - Birds, Birds, Birds
Monday, November 08, 2004
(펌) 진공관
최근 진공관 오디오를 사용하는 매니아가 부쩍 늘고 있습니다. 그 이유는 진공관 오디오가 트랜지스터 오디오에 비해 음악적이라는 측면도 있지만, 트랜지스터와 달리 개별 진공관에 따라 특유의 음색을 가지고 있기 때문 입니다.
또한 제조회사에 따라서도 음의 특색이 다르므로, 매니아의 취미 활동의 폭을 넓여 줄수가 있습니다. 진공관 오디오는 원형이 30-60년대 빈티지로서, 그 자체의 불빛을 가지고 있어서 오디오 매니아의 향수를 자극하고 있습니다. 특히 장년층 매니아는 과거 젊은 시절의 향수를 가지고 있는데, 진공관 오디오를 통해서 음악 자체 뿐만 아니라 과거의 추억을 되살린다는 것입니다.
그러나 진공관 오디오는 트랜지스터 오디오에 비해 관리 하기가 어려운 편 입니다. 특히 진공관의 일부 품목 만이 지금까지 생산 되고 있을 뿐, 대부분 과거 80년 이전에 생산된 재고 제품이 주류를 이루고 있어, 그에 따른 수급 문제가 가장 큰 골치거리 입니다. 따라서 진공관 구입 및 취급에 세심한 주의가 필요 합니다.
Friday, November 05, 2004
The Next Documenta should be curated by an Artist
Curated by Jens Hoffmann
from http://www.e-flux.com/projects/next_doc/index.html
Martha Rosler
Someone Says
Someone says “the next Documenta should be curated by an artist!” and artists everywhere clap their hands over their ears and run out of the room keening “nonono.” Artists, low on the proverbial totem pole, do not know what to make of this offer of the power of choice. Even if the fairy tale could never be realized, just the idea makes some artists snappish and indignant (while commercial gallerists mutter,’ they should, they should… Anyone could do a better job than curators!,” professional curators might respond with indulgence. After all, it was a curator who thought this project up!) Artists may not want to condescend to gate keeping, even as only a conceptual exercise. They show a marvelous respect for a modernist division of labor that could also be encapsulated as “Render unto Caesar...” Besides, this is a big-stakes exhibition. Some artists may be worried about cronyism--or the opposite, reserving the right to turn down one’s friends. But would you select your “enemies,” those whose artistic stance is completely antithetical to yours? Damned if you do, damned if you don’t. If artists are shy about taking on this master role, it may simply be because to do so would be a tacit admission that they have too much time on their hands--not enough time spent in the studio, too much bureaucratic calculation and wrangling, too much business.
The power thing pulses like an undercurrent. Artists--who remain, in popular view, romantically childlike creators--drive a hard bargain only at their peril (with a few, mostly male, exceptions). Artists may channel mysterious energies, but others get to make the choices. Choice trumps creation, and choice is linked to all rewards, including an enlarged audience for the chosen artists’ work. Choice--which, according to those who formally exercise it, veers between a sophisticated deployment of meticulously organized knowledge and sheer inspired poesy--is a metafunction. In an era of information overload, metafunctions that organize and interpret data, refashioning it and boiling it down for the ultimate recipients (the audience), are accorded more power, if not respect, and those who wield it are courted by all sides. The critic, the reviewer, the curator, all find their object and bring them to the world’s attention. In the past decade or so, in response to the burgeoning demand of greatly enlarged classes of buyers in quite a few countries, critics have been displaced by dealers in the hierarchy of gate-keeping. Curators remain in place--though relying more and more on dealer services, duly acknowledged on wall labels. Some curators are rationalists, others flit about elfin-like, lining up art objects in their exhibitions into little aesthetic concussions.
02
But Documenta? It is the art world’s five-year plan, the collective breathing of an international art world observed in the act of a changing self-definition. (What is internationalism after modernism?) Documenta must do more than nod to the philosophical tangles of the art world as it responds to a fast-changing world picture. What is international after modernism is geopolitics, as the world moves from old to new colonialisms. Documenta is a diagnosis and an ethical compass more than a poetically inspired walk through a garden of aesthetic delights. Advanced curatorial tastes are insufficient in a grand exposition; something more is required to differentiate such shows, and its artists, from a fashion industry catwalk.
Right now there is a protracted tussle within the art world over a basically conservative aestheticism, a refurbishment of Kant, and the more conceptual-rationalist work from the latter part of the past century. So far, this aestheticism is less hysterical and precious than the other fin de siecle aestheticism, but its intentions are just as revanchist, and pernicious. Documenta needs to evade this temptation; the last two curators did a mostly excellent job of this, but this job is obviously too big for one person, and there are always sub-curators, assigned to sub-regions, I suppose. This means regional factionalism and favoritism, inevitably subverting the grand design with outrageously extraneous inclusions.
03
So should artists do this sort of thing? I’ve organized an exhibition cycle of three shows and four related public forums, and it was hell, but it is doable. But what mentally competent artist would want to do Documenta?...not unless it could be something completely unlike its present heavily physical manifestation at proliferating sites in Kassel and environs, unless it could be a book, a web-site, a set of conferences, and a series of far-flung shows--wait--that is where it is moving! Now we can see that Documenta is a compendium of new product lines. Well, then, the boundaries are down. By all means, let a team of fifty artists in fifty cities in fifty countries put on shows all at once, in whatever form for whatever length of time. I propose the first one be organized by the artist Thierry Geoffroy/Colonel, with his project of a “curator lifting running competition” in which artists must run with their curator-partners on their shoulders, as proposed on tiny pieces of paper at the present Venice Biennale.
But I have a question. It seems that curators get paid well for their work at these big exhibitions, and of course artists get paid not at all. If artists do the curating, will we get paid for our labor, or is this more free inspiration, freely given?
xxxxxxxxxxxxxxxxxxxx
John Baldessari
Documenata...
Curators seemingly want to be artists. Architects want to be artists. I don’t know if this is an unhealthy trend or not. What disturbs me is a growing tendency for artists to be used as art materials, like paint, canvas, etc. I am uneasy about being used as an ingredient for an exhibition recipe, i.e., to illustrate a curator’s thesis. A logical extreme of this point of view would be for me to be included in an exhibition entitled “Artists Over 6 Feet 6 Inches’, since I am 6’7”. Does this have anything to do with the work I do? It’s sandpapering the edges off of art to make it fit a recipe.
So I suppose quid pro quo?—yes! Let’s do a Documenta led by a team of artists. Here’s an idea?—let Documenta be an exhibition using curators as raw materials.
*and 26 more essays…
Page 1 of 1 pages